di Adriano Monti-Buzzetti

Sbeffeggiare i potenti con vignette e caricature sotto l’ombrello benevolo delle istituzioni? Quasi un controsenso in Italia, dove da un secolo e mezzo circa uomini e partiti hanno accolto gli strali della satira con un registro di emozioni eterogenee (irritazione,  indifferenza, a volte anche il malcelato compiacimento di ricevere, insieme  con i lazzi, anche un’implicita attestazione di notorietà) ma sempre e comunque legate ad un ruolo di bersaglio immobile dello sberleffo. Eppure le cronache di questi ultimi anni registrano un precedente forse non da tutti conosciuto, che giudico in piacevole controtendenza e che qui riporto come auspicio per l’avvenire. Questi i fatti: nell’estate del 2008 il ministro Renato Brunetta commissiona ai suoi collaboratori un accurato screening su quotidiani e riviste alla ricerca di vignette che  mettano alla berlina - ma implicitamente rendano anche un po’ più visibile - la sua persona e la sua zelante crociata contro i “fannulloni” stipendiati dallo Stato. Dopo qualche settimana la ricerca arriva ad un punto morto: le matite dei disegnatori sembrano tenersi alla larga dal ministro, e ciò nonostante – sia detto ovviamente col massimo rispetto e sul piano squisitamente “tecnico” – alcune ben note peculiarità fisiche del titolare del dicastero per la P.A. e l’Innovazione lo rendano soggetto versatile per più di una sortita caricaturale. Punto sul vivo, il ministro reagisce in modo…innovativo, come da denominazione, e detto fatto indice un pubblico concorso vignettistico  che ottiene subito un grande successo: i lavori, cui partecipano sia professionisti di varie testate che dilettanti, sono pubblicati su una pagina ad hoc del sito istituzionale del ministero e possono essere liberamente votati dai web-naviganti. Viene anche nominata una triade di esperti – Vincino, Stefano Disegni e Achille Bonito Oliva – che a settembre indica il vincitore nel genovese Gianfranco Uber, impiegato di banca in pensione nonché collaboratore satirico del sito Panorama.it, che Brunetta riceverà e premierà in seguito a Palazzo Vidoni insieme al secondo e terzo classificato, rispettivamente un dipendente di Trenitalia e uno studente di Filosofia. Le prove dei partecipanti al concorso sono ancora visibili sul sito del ministero  in un’apposita galleria alla quale se ne è poi aggiunta nel tempo un’altra, sorta di vera e propria rassegna stampa dell’arte del ludibrio, con puntuali aggiornamenti su nuove invettive grafiche da giornali, rotocalchi e siti web prendano di mira il ministro. Nell’iniziativa peraltro c’è da registrare anche uno strascico polemico, con una delle illustrazioni accusate di aver preso la chiamata alle armi di Brunetta un po’ troppo…alla lettera: il contestato schizzo di Mauro Biani pubblicato su Emme, rotocalco satirico de “l’Unità”, si attirò infatti  in quell’occasione le critiche di  alcuni politici per i suoi forti contenuti, giudicati pericolosamente ambigui. Ritraeva  infatti uno schizofrenico cassintegrato nell’atto di puntare una rivoltella addosso al malcapitato Brunetta (il quale in realtà non si vede, ma le parole del protagonista ed il dislivello prospettico dell’immagine suggeriscono maliziosamente  che stiamo osservando l’individuo armato proprio dalla soggettiva “pocket” del ministro).Prima del drammatico e presumibile epilogo, il testo della vignetta chiosa il tutto con un agghiacciante “so’ venuto ar ministero a ringrazziatte, Rena’ ”. Come spiegato a posteriori dal direttore di Emme, Sergio Staino, l’intenzione di partenza del vignettista era più che altro quella di mostrare con amara ironia il malessere di un disoccupato, per giunta con evidenti disagi psichici, che nella finzione paradossale del calembour mal digerisce la veemenza della polemica contro parassiti veri o presunti nel mondo del lavoro, agendo di conseguenza. Sull’onda dell’emotività contingente, comunque, a quei tempi si parlò ancora una volta di satira senza controllo e relativa caduta di stile. Sul merito di quest’ultimo aspetto cia sia consentito sorvolare, sebbene  a bocce ormai ferme un briciolo di indulgenza in più si potrebbe anche concederlo: a ben guardare, in fondo, si tratta solo di una presa  di pepe in più in un minestrone peraltro già ben condito. A mio avviso l’iniziativa ministeriale si segnala infatti non solo e non tanto per la sua originalità,  quanto per il pregio di non aver sfruttato in alcun modo evidente  le logiche di un premium contest di matrice pubblica per ammorbidire la mordace spietatezza  delle vignette più corrosive, tuttora nell’apposita galleria dello spazio web ministeriale in tutta la loro aggressiva, irridente, irresistibile vitalità. E dal passato prossimo spostiamoci al futuro con la proposta, a ben vedere neanche troppo teorica, che molti avranno a questo punto già intuito. In breve:  non sarebbe interessante e proficuo per l’intero settore della comunicazione disegnata  se qualche altra interfaccia istituzionale – ministeri, Parlamento, gruppi politici, Agcom - riattualizzasse un precedente simile, stimolando grandi firme e sconosciuti esordienti a cimentarsi nuovamente su un personaggio o su un tema di attualità? Non sarebbe un piccolo ma importante gesto di solidarietà verso un settore espressivo in affanno, come altri, nell’era del dopo crisi? Con molta modestia chi scrive si limita a suggerirlo idealmente a chi di dovere (Brunetta? E perché non Gelmini, Bondi, Fini, Schifani…), ed osa anzi addirittura spingersi all’idea corsara di un creare una vera e propria consuetudine in tal senso, trasformando il già sperimentato  concorso una tantum in un vero appuntamento periodico che sotto l’egida delle pubbliche istituzioni catalizzi e risvegli anno dopo anno l’agone artistico dei nostri creativi. Naturalmente si tratta solo di una proposta, un messaggio in bottiglia affidato alle erratiche e impalpabili correnti di Internet: quelle che da tempo ormai lambiscono ogni tipo di ambiente, palazzi della politica inclusi. Di qui dunque la speranza  conclusiva: chissà che, sospinto da un qualche consenso più o meno prevedibile (in fondo sul web ci navigano anche statisti e parlamentari, chissà…) l’idea  non approdi prima o poi nella mail dell’interlocutore giusto.

di Giorgio Messina

Sergio Algozzino è un autore di fumetti pubblicati in Italia e in Francia ma è anche musicista e organizzatore di eventi. Domenica 14 febbraio 2010,  per il quinto anno di fila, ha organizzato la manifestazione Carnevale a Fumetti, il primo evento Cosplay siciliano! L’iniziativa è lodevole. Sergio lavora da cinque anni per diffondere a Palermo (e di conseguenza in Sicilia) il Cosplay che, fuori dalla Trinacria, alle fiere del fumetto o ad eventi specifici, è diventato ormai una pratica in larga espansione che riesce a muovere e coinvolgere anche migliaia di persone per lo stesso evento. Ma accostare il Carnevale al Cosplay in realtà crea un cortocircuito culturale. Vediamo perchè, attingendo anche dalla libera informazione on line:

Il carnevale è una festa che si celebra nei paesi di tradizione cristiana (soprattutto in quelli di tradizione cattolica). I festeggiamenti consistono spesso in pubbliche parate in cui dominano elementi giocosi e fantasiosi; in particolare, l'elemento distintivo e caratterizzante del carnevale è l'uso del mascheramento. Benché facente parte della tradizione cristiana, i caratteri della celebrazione carnevalesca hanno origini in festività ben più antiche, come ad esempio le dionisiache greche o i saturnali romani, che erano espressione del bisogno di un temporaneo scioglimento dagli obblighi sociali e dalle gerarchie per lasciar posto al rovesciamento dell'ordine, allo scherzo ed anche alla dissolutezza. Tradizionalmente nei paesi cattolici, il Carnevale ha inizio con la Domenica di Settuagesima (la prima delle sette che precedono la Settimana Santa secondo il calendario Gregoriano); finisce il martedì precedente il Mercoledì delle Ceneri che segna l'inizio della Quaresima. La durata è perciò di due settimane e due giorni. Il momento culminante si ha dal Giovedì grasso fino al martedì, ultimo giorno di Carnevale (Martedì grasso). Questo periodo, essendo collegato con la Pasqua (festa mobile), non ha ricorrenza annuale fissa ma variabile. Per questo motivo i principali eventi si concentrano in genere tra i mesi di febbraio e marzo. Per la Chiesa cattolica il Tempo di Carnevale è detto anche Tempo di Settuagesima. Essa considera il Carnevale (Settuagesima) come un momento per riflettere e riconciliarsi con Dio.

Alla base del Carnevale, di origine cattolica, c’è quindi il mascheramento inteso come un breve momento di goliardia prima della Quaresima volto al momentaneo rovesciamento dei valori sociali imposti dal potere ecclesiastico Da qui la nascita di tutte le maschere tipiche del Carnevale che avevano la funzione di ironizzare sulle figure archetipe delle classi sociali superiori. Non è un caso che durante le feste di Carnevale, dal medioevo in poi, la nobiltà si distingueva per l’utilizzo di una semplice maschera portata su gli abiti nobilii, mentre le classi più abbienti, dissimulavano la loro condizione con costumi completi e maschere atte ad  “interpretare” goliardicamente le classi sociali superiori volendole mettere alla berlina almeno per una settimana l’anno, prima che cominciasse la Quaresima e fosse levata la carne (da qui il termine carnevale).

Cosplay è la pratica che consiste nell'indossare un costume che rappresenti un personaggio riconoscibile in un determinato ambito e interpretarne il modo di agire. Poiché il fenomeno ha avuto origine in Giappone, il personaggio rappresentato da un cosplayer viene spesso scelto tra quelli individuabili nei manga e negli anime giapponesi, ma non è raro che il campo di scelta si estenda ai tokusatsu, ai videogiochi alle band musicali, particolarmente di artisti J-Pop e J-Rock (musica pop e rock giapponese), ai giochi di ruolo, ai film e telefilm e ai libri di qualunque genere e persino alla pubblicità. Il termine è una contrazione delle parole inglesi costume ("costume") e play ("interpretare/recitare"), che descrivono accuratamente l'hobby di divertirsi vestendosi come il proprio personaggio preferito. Oltre a travestirsi in occasione di manifestazioni pubbliche come i convegni sugli anime, non è inusuale per gli adolescenti giapponesi radunarsi assieme ad amici con la stessa passione solo per fare del cosplay.

Il cosplay è dunque l’hobby di interpretare un personaggio di fantasia che provenga da un media di intrattenimento, solitamente di genere audiovisivo di larga diffusione sociale, categoria ampia di cui fa parte anche il fumetto. Tutti fenomeni culturali questi che la sociologia di massa definisce evocativamente “cultculture”. L’obiettivo del cosplayer è quello di diventare il personaggio che sceglie, sia nel costume che persino nei gesti, nel taglio di capelli o nel colore degli occhi, se non addirittura nel parlare e nel muoversi, durante manifestazioni legate soprattutto ai media di riferimento. Sono i palcoscenici deputati solitamente alle esibizioni dei cosplayer che si aggirano in mezzo ad altra gente, non necessariamente altri cosplayer, .per essere riconosciuti come il personaggio di riferimento. Il cosplayer è una gara con se stessi per essere riconosciuti da chi guarda come la personificazione del personaggio che si interpreta.

Alla luce di queste nette differenze culturali tra i due tipi di mascheramento e gli ambiti di origine in cui si svolgono e si sviluppano, l’idea di promuovere il cosplay durante il carnevale rimane una buona idea in termini di pubblicità atta a fare accettare la pratica del cosplay, ma a livello prettamente culturale, trapiantare nella tradizione carnascialesca occidentale il cosplay può essere considerato un deriva multucultularista forzata. Non sempre usare una tradizione consolidata per fare accettare una pratica simile ma con un origine totalmente diversa è il metodo migliore per sdoganare un'altra cultura. Il carnevale era la rivalsa sociale delle classi più basse contro l’oligarchia nobiliare ed ecclesiastica, il cosplay è l’afffermazione sociale del singolo all’interno di un gruppo che ha le stesse coordinate in termini di “cultculture” e l’affermazione sociale  passa attraverso l’interpretazione di un’icona riconosciuta dal gruppo che riflette nel doppelgänger l'ascendente che l'icona esercita su di esso.  

il Carnevale accostato al Cosplay è un cortocircuito culturale.

La serate organizzata da Sergio Algozzino è comunque una festa in maschera, e qualunque concezione carnascialesca abbaiate, se volete divertirvi partecipate in costume o (s)costumati che dir si voglia, il 14 Febbraio (DOMENICA!) l’appuntamento è al Bier Garten, in viale Regione Siciliana 6469, PALERMO.

I temi sono sempre gli stessi, tra film e fumetti, tra cartoni animati e libri, all’insegna della fantasia e della fantascienza, che poi, quando non c’era ancora il cosplay erano i temi dei carnevale della nostra infanzia. Forse eravamo cosplay “antelitteram” e non lo sapevamo.

3) LA MORTE COME SCELTA “POLITICA”: è un tipo di dipartita i cui esponenti si rinvengono per lo più tra i comics del passato, quando riflessioni di opportunità o convenienze sociali di vario genere potevano decretare con molto maggiore disinvoltura la fine di questo o quel beniamino di carta. Ad imporsi per rilevanza in questa categoria è il caso di Betty Boop, la celebre eroina dei cartoni degli Anni Trenta: vestitino succinto, giarrettiera in bella vista, bocca a cuore, ammiccamenti di acerbo sex appeal. La provocazione dei fratelli Fleischer si fermava lì, trama e ambientazioni discostandosi ben poco dalle atmosfere innocenti delle più ortodosse Silly Symphonies disneyane, ma per la morale dei tempi si era già andati troppo oltre: l’approvazione del Codice Hays, dettagliatissimo e insindacabile e vademecum per la salvaguardia della moralità in tutte le pellicole a stelle e strisce, sancì la fine prematura della dolce Betty. Non prima però che l’avvilente trasformazione estetica in casalinga disperata, con tanto di bigodini e parannanza, smontasse pezzo a pezzo quell’aura irriverente e sbarazzina che ne giustificava l’originalità e, di fatto, la sopravvivenza. Ho scritto poc’anzi che si tratti di una “morte” più comune ieri di oggi, grazie all’epocale antidoto di una malizia abbondantemente lievitata. Mi viene in mente però che l’ancora recente disavventura giudiziaria capitata ad un personaggio Disney in carne ed ossa, tale Paul Reubens alias Pee-Wee Herman, sembrerebbe suggerire il contrario. In Italia se lo ricordano in pochi, ma per anni in America è stato più famoso dei Teletubbies: un vero e proprio idolo dei bambini in età prescolare. Almeno finchè nel ’90 un poliziotto molto, molto zelante non arrestò l’attore in questione per atti osceni in luogo pubblico (fu scoperto a  masturbarsi in un cinema): reato non proprio da sociopatico incallito, che in altri contesti avrebbe ispirato ironia ma anche indulgenza. Tuttavia Reubens non era un uomo, era un “fumetto”: non era l’attore, ma il suo personaggio. O almeno la società – i genitori, la Disney, l’opinione pubblica – lo considerava tale. Di qui la sentenza capitale, univoca e definitiva: Pee-Wee, il mr.Bean dei più piccoli beccato a “volersi bene” davanti a un film porno, doveva essere eliminato. La morte espia le colpe ma non le ripara, diceva Napoleone. A volergli dare ragione le “morti” di questo tipo appaiono, se possibile, ancora più tristi.

La prima parte di "Fumetti & Decessi: come e perchè morire nel mondo dei comics" la potete leggere QUI.

di Adriano Monti-Buzzetti

Cornetti di corallo, zampe di coniglio, scongiuri sciamanico-metropolitani più o meno triviali: prego, il cauto lettore non  si privi di nulla. Meglio premetterlo in anticipo, poiché le  riflessioni sparse che seguono hanno per tema il più esiziale degli spauracchi: la madre dei sudori freddi, del tremore alle vene dei polsi e di tutti gli altri classici del più tradizionale repertorio della paura fisica. Parliamo ovviamente di lei, la Grande Mietitrice, e delle peculiarità che accomunano le sue sporadiche incursioni nel mondo dei comics. Già, ma di “quale” parliamo esattamente, il "Primo" o il "Terzo" Mondo? Perché, scherzi a parte, è ovvio che  una distinzione del genere esiste, quantomeno nel calibro dei personaggi. Su questo un pur banale chiarimento va fatto perché è fin troppo ovvio che nella finzione narrativa del fumetto, e non solo,  le grandi star si alternano sovente a comparse, linee del coro, figure appena abbozzate che servono più che altro a riempire uno spazio vuoto. Mors omnia aequat, dicevano i padri latini: la morte rende uguali tutto e tutti, e lo ripeteva anche ’a Livella di Totò. Eppure non tutte le morti sono uguali: non meno dei trapassi  letterari o cinematografici, il fatale transito  incastonato tra inchiostri e balloon è subordinato alle esigenze narrative, e alle aristocrazie di personaggi che esse creano, per cui anche il fumetto ha decessi di serie A e di serie B, vittime anonime oppure eccellenti. Se a fondo scala c’è ad esempio l’insipida e brulicante plebe metropolitana di una Tokyo che manga ed anime giapponesi ci hanno mostrato tante volte devastata da questo o quel mostro spaziale, all’estremo opposto abbiamo l’epica, tumultuosa, sconvolgente scomparsa del protagonista di turno o di uno dei suoi comprimari, destinata intenzionalmente a produrre  impennate più o meno avvincenti o riuscite nel continuum di una sceneggiatura. Inutile dire che è a scomparse autorevoli di quest’ultimo tipo che vogliamo fare riferimento, proponendo in più puntate qualche ragionamento di massima sulle più ricorrenti tipologie di “morte fumettata”: vale a dire le circostanze, e soprattutto le motivazioni editoriali, che con maggiore frequenza troviamo a corredo delle più roboanti dipartite degli eroi di carta.

1) LA MORTE-CANTONATA: è quella decretata dagli autori per una scelta rivelatasi in seguito infelice o inopportuna. In campo letterario il caso più celebre è quello di Sherlock Holmes, del quale un Conan Doyle ormai demotivato  aveva in un rimo tempo sancito la fine ne L’Ultima avventura, facendolo precipitare da una cascata insieme all’arcinemico professor Moriarty. Il seguito è ben noto: il pressing neanche troppo bonario dei fans costrinse l’autore a realizzare dapprima un prequel e poi di fatto a “resuscitare” Holmes, facendolo ricomparire dopo tre anni di mistero e di riserbo nel racconto L’avventura della casa vuota. Le nuvole parlanti comunque non sono da meno. Facciamo qualche esempio tra i tanti: nel 1941 Milton Caniff, leggendario autore di Steve Canyon, decise di eliminare dal cast fumettistico del non meno noto Terry e i pirati il personaggio femminile di Raven Sherman, accattivante e benvoluta dai lettori. In termini di consenso il risultato fu disastroso: fiumi di lettere iraconde, petizioni per finali alternativi e persino problemi di sicurezza personale per lo sbigottito Caniff (chissà che lo Stephen King di Misery non abbia preso spunto da lui?), il quale per anni continuò a ricevere ironici telegrammi di “condoglianze” nel giorno in cui aveva decretato a mezzo stampa la morte della sua creatura. Che dire poi di Fritz the Cat di Robert Crumb, autore di culto della scena fumettistica americana degli Anni Settanta? Ferocemente disgustato dalla versione animata che il regista Ralph Bakshi (quello del primo Signore degli Anelli a cartoni animati) aveva realizzato del suo celebre personaggio, e temendo che la pellicola - classificata “per adulti” dalla censura Usa, quasi come un porno di quart’ordine -  trasformasse un’icona libertaria e “free spirit” in un caricaturale gigolò felino perennemente infoiato, Crumb sancì in un ultimo memorabile episodio l’eliminazione fisica del suo character di punta. Una morte-manifesto dal valore palesemente simbolico, poiché il Fritz che viene ucciso a colpi di punteruolo dall’ennesima pollastra-kleenex usata e poi maltrattata non sarà il randagio, squattrinato, irresistibile gattone di strada degli esordi ma  - non a caso - un’arrogante star hollywoodiana in declino, cocainomane ed egocentrica. Per Crumb un “crimine” compiuto sull’onda dell’emotività che, se non diverrà vero e proprio suicidio artistico come qualcuno temette all’epoca dei fatti (trasferitosi in Francia il cartoonist di Filadelfia continuerà a restare grande, ed anzi a produrre opere di levatura culturale anche maggiore, come il biografico e splendido Kafka), eliminerà comunque dal suo orizzonte creativo un “figlio” partorito addirittura nell’adolescenza, un personaggio amatissimo da legioni di lettori fricchettoni e non, ed infine una fonte di notevoli introiti economici.  Morale: il delitto non paga. O almeno sembra così per gli autori di fumetti.

(continua)

di Adriano Monti-Buzzetti

Per la piccola editoria del fumetto, per chi fa autoproduzione e per gli artigiani delle “nuvole parlanti” in genere, il 2009 è uno di quegli anni che più di altri impongono riflessioni sul passato e sul futuro, su ciò che c’è alle spalle e cosa attende dietro l’angolo. Il motivo sta tutto in un anniversario: giusto trent’anni fa, infatti, concludeva la sua esaltante ed effimera esistenza Cannibale, rivista nata trasgressiva – e non poteva essere altrimenti – nel 1977 da un pruriginoso e stimolante “rapporto a tre”, quello autorale tra Stefano Tamburini, Marco D’Alessandro e Massimo Mattioli. Effimera già nei vaticini impliciti del nomen omen, ispirata com’era dall’omonima pubblicazione-meteora del movimento dadaista negli Anni Venti, nei suoi due anni di vita Cannibale avrebbe fissato il “meridiano zero” di tutte le pubblicazioni underground, ponendosi quale insuperato paradigma di sregolatezza e libertà creativa. La formula sin dall’inizio fu semplice, quasi disarmante: realizziamo tutto noi e ci paghiamo sopra anche le spese, ovviamente ridotte all’osso. Ergo, diciamo, e soprattutto disegnamo, ciò che ci pare e piace. Insomma: nessun finanziatore, nessuna mordacchia. Leggendari gli esordi, debitori – pare – di un primo cilindro di carta trafugato dagli autonomi in una cartiera dismessa della Capitale, di zelanti fotocompositori negli ambienti della stampa alternativa, e di un’ancor più volonterosa vendita diretta in canali sotterranei e “corsari”, vendita di cui erano spesso gli stessi autori a farsi carico. Per farla breve, grazie ad una serie di congiunzioni astrali favorevoli e di tanta tenacia, il sistema in qualche modo funzionò. E funzionò benissimo,  creando un irripetibile circuito virtuoso di talenti che attrasse già dal secondo numero fuoriclasse acerbi ma già in odore di assoluto come Scozzari, l’ineffabile Pazienza e soprattutto Tanino Liberatore, con i primi abbozzi del suo  personaggio-simbolo Rank Xerox: il robot coatto divenuto da subito un personaggio-manifesto della rivista (testi di Tamburini a parte, all'epoca in varie occasioni il disegno era frutto di un riuscitissimo palleggio a quattro mani tra Liberatore e Pazienza) e destinato in breve a gloria planetaria. Del  “fenomeno” Cannibale, del suo incredibile laboratorio di invenzioni grafiche e di avanguardie illustrative si interessarono un po’ tutti gli addetti ai lavori, dal fondatore di Linus Oreste Del Buono ai “ragazzi terribili” del Male, insuperata e mordace Shangri-là della satira nostrana. Con l’interesse giunsero gli aiuti, e con gli aiuti l’insperato traguardo delle edicole, tenuto stretto per una manciata di numeri. Poi, rapidamente come per ogni esplosione atomica che si rispetti, arrivò il fallout: con i conti in rosso e una visibilità ormai legata a filo doppio a quella del Male, di cui era diventata una sorta di costola editoriale  (anche qui anticipando, visionariamente, l’imperante moda degli allegati), Cannibale cessava le pubblicazioni nel ’79. Dalle sue ceneri nasceva la gloriosa e questa volta longeva Frigidaire, sopravvissuta fino a nostri giorni a dispetto dei tanti nemici naturali che l’ecosistema della pubblicistica italiana fa fiorire attorno alle pubblicazioni “non allineate”. Un’epoca  comunque si avviava lentamente al tramonto, se è vero che neanche dieci anni più tardi Pazienza e Tamburini erano già prematuramente scomparsi, Liberatore aveva optato per un volontario esilio creativo nella più generosa Francia ed il suo stesso ruspante ed indomabile character aveva dovuto piegarsi alle leggi del copyright, cambiando nome da “Rank Xerox” a “Ranxerox” dopo le proteste in odor di querela dell’omonima multinazionale delle fotocopiatrici. Per breve che sia stata la sua avventura, Cannibale ha lasciato (come del resto il Male e Frigidaire) un segno indelebile nella storia del fumetto italiano, offrendo ad autori ed editori la fugace visione di un possibile Altrove in cui si poteva sperimentare ed innovare “di pancia”, cioè seguendo l’istinto e non il budget. Un miracolo figlio anche di una stagione editoriale molto diversa dall’attuale, in cui la narrazione disegnata seguiva percorsi meno commerciali, non era stata ancora ingabbiata in toto da precetti “di genere”, e non da ultimo la crisi del settore e l’appiattimento dei gusti del pubblico non avevano ancora creato spazi così ampi di desolazione creativa attorno alle inaccessibili vette di Bonelli o della Disney. Per creativi, editori e semplici appassionati, tuttavia, guardarsi indietro qualche volta è ancora utile. Come pure l’allontanarsi di quando in quando dallo stordente maelstrom di manga, supereroi e cosplayer più o meno imberbi che puntualmente spazza le fiere  fumettistiche, per sfogliare – in qualcuno dei sempre più rari stand di albi d’epoca - i prodigi di Cannibale e della sua folle redazione, vivaio di fricchettoni geniali e mani destre di Dio. Non si vive di ricordi, certo, ma rievocarli ogni tanto è un balsamo per gli occhi e il cuore. Credo che i tanti volonterosi “nanetti” del settore si sentirebbero così d’improvviso, se non più alti, almeno più motivati.